传统陶瓷要新生，要改变，但是怎么变、按照什么逻辑来变？
伴随着“清华藏珍·土火万象：中国陶瓷的技与艺”和“陶融万象：中国现代民间陶瓷艺术展”清华大学艺术博物馆的展出，一场名为“新陶之境：传统陶瓷，何以新生？”的分享会于近日举办。与会艺术家与学者聚焦当代陶瓷的创作实践，讨论材料与工艺如何参与创作、传统产区如何面对当代生活、陶瓷的时间性与物质性如何转化为可见的艺术作品以及现当代艺术语境中陶瓷与个体经验、感知的关系。
清华大学美术学院陶瓷艺术设计系副主任尹航从一只内壁长满尖刺的碗讲起，说风格不是偶然做了什么，而是看长期坚持了什么；联合国教科文组织IAC国际陶艺学会会员赵淋在石湾的雕塑传统里找个人语言；当代跨媒介陶瓷创作者王冬梅则把景德镇作坊里的注浆工艺和石膏模具变成作品的一部分；清华大学美术学院陶瓷艺术设计系助理教授孙月追问陶瓷接近永恒的时间感如何变成观念。
尹航把自己的分享题目定为《我在陶艺创作中的偶然与必然》。她从在德国做写实人像的经历谈起，回校任教后，系里已有同方向老师，她被要求转向设计类方向。这个偶然让她做出一只外表普通、内壁长满尖刺的碗。寓意着外表要娴静，但是内心充满了各种挣扎纠结：尖刺从碗内长到外壁，从私密情绪变成可被观看、可被使用的形式。她用龙泉青瓷做尖刺，让温润材质与尖锐表达形成反差，后来她也用德化白瓷做刺豚、朱雀。
尹航分享起自己做的长满尖刺的碗
尹航和陶艺家赵淋都认为，“风格不是看你偶然做了什么，而是看你长期坚持了什么、又长期拒绝了什么。”赵淋说，自己在一次次捏塑中，手、心与泥不断互动，造型方式改变，雕塑的整体语言也会改变。泥片成型、泥条盘筑、从局部到整体的生长方式，都要求创作者具备即时、即兴的处理能力。他不太把风格看成先验的理论设计，而更愿意把它理解为生命体验在创作过程中自然显现。
赵淋作品
李婳作品
艺术家王冬梅把泥土称为一个“深刻的老师”。她最初总想把想法强加给材料，但每个环节都会出问题，作品就做不成。后来她学会安静下来，观看材料自己会发生什么。她做高温中熔融、坍塌的树状结构，做钢化玻璃自爆后的顺势作品，也用麻布、棉布、渔网、浮力球等材料，讨论人与材料、人与家庭关系之间的连接与断裂。
王冬梅作品
孙月曾用三年收集蒲公英，在毕业展览中邀请观众接力传递，让蒲公英飞散，只留下德化白瓷捏成的秆子；也做过枯萎的白玫瑰，与开幕时的鲜白玫瑰并置，展览结束时鲜花凋谢，瓷花反而隐藏起来。
孙月分享她的作品
孙月热衷于观察时间在艺术品上留下的痕迹，她把十对德化白泥双锥埋进山里，每周取出一对观测，看虫子钻孔、红土附着、内部逐渐被掏空；做动物视角的作品，在人看来是破瓦片、废瓷泥，在动物第一视角里却是种子和食物。
传统陶瓷的新生不可能脱离产区。赵淋长期在石湾创作，石湾以雕塑类型陶瓷为特色。他毕业后工作一年便出来做工作室，经历前互联网时代必须做点东西先把自己养活的现实，也做过生肖、市场化雕塑，但始终在寻找个人语言。后来转向泥片成型、泥条盘筑，做人兽结合、万物同源的作品。他说，应该站在整个大的艺术框架里面去思考，而不是只在陶瓷史内部思考陶瓷。
王冬梅把目光投向景德镇的生产现场。她观察雕塑瓷厂小巷里一位做注浆的阿姨陈正英：每天倒浆、开模、取出作品，在作坊里生活。她发现，景德镇工序细分、每个人只做一件事的工艺性逻辑，其实也影响了自己的创作逻辑，即单一元素重复、序列化生成。她用阿姨作坊里的石膏模具、工具，结合黑色蕾丝、渔网做装置，呈现劳作对人的压抑与规训；又用麻布、老棉布讨论血缘、亲情中既连接又断裂的状态。传统产区不是背景板，而是创作方法的一部分。
一位景德镇的注浆阿姨
在对谈环节，尹航抛出“什么为现当代”的问题。赵淋认为，过去陶瓷多依附于权力、宗教或社会需求，大多是匠人创作，当代则回到对个体的认同，个人表达的独特性与对艺术本体的追问是基础。孙月认为，传统陶瓷多以实用或精神功用为主，当陶瓷摆脱使用、材料本身能表达什么，就更偏向现代问题，艺术家以陶瓷为材料表达自己，则更接近当代。陶瓷独立创作者季资美则强调，人的精神追求没有变，变的是环境与形式。
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